Lectura veloz de Cortázar

En "Cortísimo metraje", Julio Cortázar utiliza la menor cantidad posible de palabras para contar la historia. Al principio cuando empecé a leer, no entendía si el escritor se había olvidado de las palabras, si quiso escribir así para probar una nueva forma de escritura o si simplemente yo era la que no entendía qué estaba pasando.


Tal vez no lo entendía porque esta escasez de palabras transgrede todo lo que yo antes había leído. Traté de pensar que estaba pasando, porque las palabras que faltaban no eran otras sino los artículos y preposiciones. Como si fuera poco, los verbos no estaban conjugados y eso me confundió bastante porque no pude identificar quién realizaba cada acción. Por suerte (y me imaginaba yo que el escritor lo había hecho así para que podamos tener una comprensión más fácil), esta confusión con los verbos solo ocurre en el núcleo de la historia, ya que al principio y al final se puede saber quien hace cada acción.

La sensación que a mí me produjo leer este texto es la de que la historia pasa muy rápido, casi tan rápido como el tiempo que me llevó leerlo. Esta rapidez se debe a que, al faltar algunas palabras, la lectura se hace mucho más fugaz y el contenido se termina leyendo en menos de cinco minutos; sinceramente, está escrito en una forma tan original que lo único que quería era llegar al final y ver cómo se resolvía. Cuando me faltaban dos o tres renglones, me pregunté si el autor daría una explicación o justificación por la forma en que había escrito el texto, pero cuando termine me dí cuenta de que eso lo dejaba al juicio de cada lector, y esto lo hace más seductor. Más o menos en la mitad de la historia, Cortázar escribe una frase que me detuve a leer un par de veces porque me llamó mucho la atención: "Lacónicamente a las preguntas de que ahora", describiendo la forma de contestar que tuvo la mujer. Me pareció que esto redunda acerca de la forma que él tuvo de escribir la historia.

Lo primero que se me vino a la mente fue la palabra "veloz". Ese aspecto es lo que más me gustó de este cuento porque nunca había leído algo que fuera tan claro y preciso y se entendiera en tan pocos renglones.

Algo que me llamó mucho la atención fue la relación que encontré entre lo que nos pasa a los lectores leyendo la historia, con lo que le pasa al hombre al final de esta. Nosotros primero pensamos que el personaje "inocente" es la mujer, que subió a un auto ingenuamente e iba a terminar siendo violada por un hombre sin siquiera saber lo que se esperaba, pero al final (que es después de dos o tres lecturas más, cuatro o cinco también) nos damos cuenta de que el hombre es el verdadero inocente y que la mujer es la que comete el crimen al matarlo y robarle el dinero. Esta especie de engaño que logró hacer el escritor con nosotros, es el mismo que le sucedió al hombre al confundirse sobre la ingenuidad de la mujer. Pienso que fue como una picardía que la literatura realiza con todos los lectores. Todo este análisis pude hacerlo a partir de que en el último renglón del texto dice la palabra OFICIO lo que me hace darme cuenta que la mujer era una estafadora y estaba acostumbrada a este tipo de hechos, y no fue todo una simple casualidad.

Trámites para una visa

Esto de ninguna manera va a empezar como “yo leí ‘El Extranjero’” no puede empezar así. Digo no puede porque no fue tan simple como sentarme y leer, tan automático como suena. Mi primera intención fue de leer Rayuela de Cortázar, pero después de estar tres semanas diciendo “mañana empiezo”, miro el calendario y veo que me queda solo una.

Me acuesto en mi cama un sábado a la mañana y empiezo por el primer capítulo. Leo el primer renglón, la primera oración. Las palabras quedan muy bien así todas juntas, pero entender el significado de la frase se torna particularmente trabajoso. Después de estar cerca de media hora para haber leído y procesado unas 5 páginas, caí en la cuenta de que me faltaban más o menos 440 para poder dar el libro por leído. ¡Qué problema! Entonces, mal que me pese, abandoné.

El lunes escuché de lo corto que era La metamorfosis de Kafka. “Sólo 30 páginas de computadora”. Considerando que me quedaba menos de una semana para leerlo decidí ir por lo fácil. “Tengo toda la vida para leer los libros de la lista que me llamen la atención ”. Esa tarde, tras grabar a fuego en la mente de mi hermano el cartel de “muerte al que entre sin golpear y muñón al que golpee”, me senté a leer en la tranquilidad de mi cuarto. Y en esa misma tranquilidad desperté una hora y media después habiendo leído 9 paginitas (no de las de computadora, del libro, que son más cortas). Se ve que la racionalidad no funciona para esto, no es que uno se sienta, pone el switch en on y lee.

Pidiendo recomendaciones (cosa difícil, porque prácticamente todos habían leído, empezado o tenían planeado leer el mismo libro, uno que mi cuerpo se rehusaba a aceptar) terminé por conseguir prestado El Extranjero de Albert Camus. Me lo devoré en dos tardes.
La tercera es la vencida.

El libro me encantó, pero vale aclarar que es como si los primeros diez capítulos fueran introductorios, y el último es donde se desarrolla la mayor intensidad. Me atrevo a decir que las últimas páginas merecerían un análisis aparte, prestándole atención a cada palabra.

Ya entrando en detalle, El Extranjero es un libro que atrapa por su simpleza, en la que reside todo su encanto, porque transmite ese sentimiento de monotonía, que es el que tiene Meursault en su vida. Pareciera que no le importa nada, pero también se lo ve inseguro, y muy crítico en general. Esta inseguridad es visible también en sus respuestas complacientes, faltas de peso propio, sin contradecir. Como quien teme que lo que dice no caiga bien, a pesar de que actuar así lo lleva a decir cosas que en el fondo, muy en el fondo, no quiere.

Esta sensación de “extranjerismo” está dada también por la forma en que está escrita la novela. Al no haber diálogos todo lo que uno como lector ve, lo ve particularmente desde afuera; paradójicamente, los únicos diálogos están en los puntos de mayor alienación de Meursault, cuando está preso, saltando bruscamente de sus estados de mayor integración.

Su funcionamiento a nivel humano es bastante matemático, acción y reacción, recibe un estimulo y sin procesarlo reacciona. Procesarlo representaría pensar en eso, y eso eventualmente lo podría llevar a sentir, que es a lo que él teme. Se podría decir entonces que es un hombre extremadamente sensible, que desarrolló una coraza a su alrededor para protegerse, ya que lo que para cualquiera representaría un moretón, en él es una fractura.

La forma en que él se va acercando a sus sentimientos es interesante, a medida que avanza el libro lo vemos cada vez más enajenado, hasta que en un momento dentro de prisión, cuando uno pensaría que no podría sentir menos, empieza a tener miedo. Como consecuencia del miedo aparece la esperanza de que los motivos de sus miedos no lleguen a cumplirse, y esta esperanza es sobrepasada por el miedo a la desilusión.

Su falta de deseos, ambiciones, esperanzas, "etéceteras", podría verse como un temor a la decepción, como se ve cuando está preso, que prefiere estar todas las noches esperando la muerte y alegrarse porque ésta no llega, a estar resistiéndose a la idea y desmoronarse cuando realmente suceda. Lo tortura la idea de no tener una alternativa, tener la seguridad absoluta de que los acontecimientos se van a suceder de una determinada manera, y no poder librarse del sistema impuesto. Se ve a sí mismo asistiendo a ejecuciones, y así se corre del lugar del condenado, y se pone en el lugar de alguien libre, que presencia cómo ejecutan a otro.

En un primer momento, al ver al capellán, todo vuelve para atrás. Pero termina cediendo ante la presión y cede como un dique que sostiene millones y millones de litros de agua esperando por salir. Cuando esta presa se rompe, primero le dice que la vida que desearía tener es una vida en la que pudiera recordar la que tiene. Por un lado, esto puede interpretarse como un deseo de ver su vida claramente, que era algo que aparentemente no podía hacer (matar al árabe fue algo que hizo reactivamente, por falta de claridad). Y por el otro, una necesidad de terminar de separarse de su vida, ser realmente un extranjero.

Y culminando con una explosión de sentimientos revueltos en un torbellino con un tono bastante marcado por la adrenalina saca todo lo que acumuló a lo largo de toda su vida, y así puede terminar en paz.

¿Cuándo? Lo único que sabemos con respecto al tiempo es que todo transcurre entre la muerte de su madre y la de él, ya que la novela empieza con un dudoso “Hoy”, que puede significar ayer o hace dos días, y termina con la expectación de la ejecución. Ya sin miedo ni indiferencia, expectación. El bloqueo en el que él se encontraba se terminó, ahora el motivo para vivir, o morir, es el de provocar un sentimiento en otro, aunque más no sea de odio.

Guido Galicer

Diario metamorfósico

Yo elegí leer “La Metamorfosis” de Franz Kafka, no por ningún motivo específico. En realidad... yo había elegido leer “La Hojarasca” de Gabriel García Márquez, pero leí un tercio del libro y me pareció bastante interesante el tema, pero medio difícil de entender y lento. Leí en mi casa en dos días, ya que antes estaba leyendo otro.

Una de las sensaciones que me causa la historia es bronca, ya que uno se va encariñando con el personaje y no le gusta que su familia lo abandone y castigue por haberse convertido en un “monstruo”. Me da mucha pena el momento en que su padre lo golpea y deja lastimado echándole la culpa por problemas de los que él no era el culpable.

También durante la lectura uno se imagina al personaje de alguna manera, en mi caso sé que era un insecto feo, pero yo me lo imaginaba lindo, como encariñada.

Leí un texto que analizaba el libro para entenderlo mejor. Allí contaba que esta historia escrita por Kafka era medio “autobiográfica”, ya que decía que él plasmaba en sus historias sentimientos suyos. En realidad Kafka se sentía como apartado de la sociedad y de su familia por ser distinto, al igual que le pasaba a Gregorio.

Con respecto al final del libro no me gustó mucho, ya que cuando uno se encariña con el personaje no le gusta que este muera, y menos por una injusticia tan grande como dejarse morir por “hacerle un bien a su familia”.

Más que corto metraje, corto montaje

Durante los últimos años de mi vida no fui lo que se puede decir una fanática de los cuentos o de las novelas. Pero las veces que me enfrenté a esos inmensos mundos desconocidos y llenos de sorpresas pude descubrir que había alguien detrás de esos papeles blancos y esos caracteres negros. Alguien que me guiaba mientras recorría mi camino de lectura llevándome por las rutas de la historia y explicándome qué venía primero y qué después.

Pero esta vez fué diferente. Cuando tuve en mis manos "Cortísimo metraje" de Julio Cortázar y me atreví a empezar a leer o mejor dicho cuando me animé a entrar en su mundo me sentí sola, sin nadie allí atrás de las letras esperando que empiece mi lectura para guiarme. O a lo mejor, sí había alguien. Pero ese alguien no parecía en lo absoluto tener ganas de contarme nada. Recitaba sin ganas los hechos como títulos del diario. Hasta a veces se salteaba verbos o sujetos. ¡Qué narrador tan extraño! pensé. Mejor dicho, ¡qué narrador tan vago!

Fue por eso que tuve que hacerme cargo yo misma de mi "comprensión lectora". Empecé a ver imágenes cortas que aparecían un instante y se iban, como cámaras de fotos que se encontraban en el lugar de la acción y me mostraban los negativos para que me entere de qué estaba sucediendo.

De repente vi al vendedor de entradas, compré una, agarré los pochoclos y ya estaba sentada frente a la pantalla del cine preparada para seguir pasando las diapositivas de la historia por mi mente. La cinta empezó a correr y vi a un hombre en su auto recorriendo las rutas montañosas del país francés. La película siguió y aunque no parecía que iba a ser muy entretenida continué allí sentada. De repente una muchacha subió al automóvil y después de escuchar una corta conversación entre ambos no entendí que pasó. Manos que iban, manos que venían, el auto que se metía en el bosque, pero faltaba algo. Era como si me estuviesen contando la historia a medias. Nunca antes había tenido la sensación de que sabía que algo en la historia estaba pasando pero no diferenciaba quién realizaba cada cosa.

Debo admitir que en ese momento estuve a punto de levantarme de mi asiento e irme. Pero algo me detuvo. De la pantalla se oyó un disparo y luego vi frente a mis ojos la figura de la mujer robando el dinero del pobre hombre y huyendo en su auto. ¡Qué desgracia! pensé. Y al terminar la película doblé el texto de Cortázar, lo guardé en mi bolsillo y caminé un rato largo como cuando se sale del cine tratando todavía de analizar lo que pudo haber sucedido e intentando darle una vuelta de tuerca a la historia.

Cindy Rozental.

The shadow

ALGÚN VESTIGIO DE TU PASO

La dulzura de recordar el sol en la espiral del sueño
y el vano poder de haber ido tan lejos.

Es tan extraño perdurar, oír aún
la grave letanía de los huesos y el hechizo del mundo.

Déjame ver, déjame ver:
alguien me condujo hasta aquí y se oculta,

cubierto de grandes praderas, de climas,
refugios baldíos, luces que brillan

en el faro donde la tierra termina.
Salido de lugares inciertos, de trópicos y lluvias,

voraz como fuego, intruso,
la huella de sus dientes y sus besos en la manzana.

¿De quién es ese rostro desconocido entrevisto
donde se pierde? Es incierto y ansioso

extraviado en la fábula oscura de mi vida.
Adiós, sombra mía.

Enrique Molina

Enrique Molina es un escritor surrealista, en esta rama del vanguardismo se destacan los pensamientos eróticos, violentos, románticos.

En este poema Enrique trata de enfatizar el hecho de una pérdida amorosa, es decir que eligió para este poema un pensamiento romántico. Esta pérdida, según se entiende en el poema, se trata de un ser amado, de una mujer la cual lo hace sufrir mucho. Él no puede creer que siga viviendo, no esta seguro cómo llego hasta donde está ahora, cómo sigue viviendo.

La dulzura de sus caricias es un sueño que se desvanece poco a poco, pero el poder haber continuado lo sorprende y le da fuerzas a la vez. Le es extraño perdurar luego de haberla perdido.

No se encuentra a sí mismo, no sabe donde esta, cuando se dio cuenta se encontraba en otro lugar, en otro tiempo, es como si el tiempo hubiera transcurrido pero él no. Trata de pensar que alguien lo llevo hasta allí y que no quiere ser encontrado, como un ángel de la guarda que lo está cuidando. Éste hombre esta en un lugar incierto rodeado de praderas, de climas, de luces brillantes, el escritor no sabe muy bien donde, sólo sigue sus pistas, como un mordisco de sus dientes como un beso en una manzana. El rostro de dicho ser no se ve pero siempre lo acompaña, sea donde sea, es alguien que nunca lo abandona, es algo misterioso, como perdido en la oscuridad de su vida, este ser es su sombra. ¿Por qué no tiene rostro ni facciones? ¿Habrá algún modo de deshacerse de ella?, son preguntas que no tienen respuesta, según Molina la sombra está oculta en la oscuridad de nuestra vida, es como si nuestros sentimientos mas profundos y dolorosos son absorbidos por la sombra, esa otra persona que nos protege del mal o del sufrimiento, es por ello que no se ve ningún detalle de cómo es, sólo un contorno oscuro, está consumida por todos los males, nos saca de nuestro dolor absorbiéndolos ella y así se consume poco a poco, no desaparece porque no hay tanto mal en este mundo que pueda consumirnos completamente, ya que nunca hay mal que por bien no venga, y siempre tenemos a esas personas que nos apoyan para salir adelante.

Conflicto de Vida de Galileo expresado en oposiciones

Con el fin de expresar el conflicto presente en la obra de Bertold Brecht Vida de Galileo pueden mencionarse diversas oposiciones como las que se describen a continuación.
En primer lugar, una es la que enfrenta a la ciencia contra la religión. Al ver las discusiones entre Galileo y los monjes, pueden identificarse diferentes posturas y puntos de vista sobre estos conceptos en oposición. Se puede decir que Galileo era el único que decía que los planetas giran alrededor del sol, es decir que apoyaba la teoría heliocéntrica, pero en contraste, toda la sociedad cuyo pensamiento estaba manipulado por la iglesia y nobleza creía que la tierra era el centro, es decir apoyaba la teoría geocéntrica. En aquella sociedad todo lo dicho por la Iglesia era pensado como verdad absoluta, por lo que nadie consideraba contradecirlo. En resumen, Galileo es alguien quien cree en la verdad científica y está en un constante proceso de aprendizaje y obtención de conocimientos, así como también de búsqueda del progreso. Por el contrario, los monjes son fieles seguidores de la religión, confían en la Biblia y creen que nada ni nadie puede contradecirla. De este modo nunca buscan realizar comprobaciones de sus creencias y de algún modo fomentan el estancamiento. Esto se puede relacionar con lo que expone Pierre Bourdieu acerca de quienes impulsan los cambios. En general, estos son impulsados por los grupos dominados que, mediante revoluciones, buscan alterar el orden, redefinirlo devaluando el poder de los dominantes. Contrariamente se encuentran los dominantes, quienes tienen el poder y autoridad y con el fin de conservar estas facultades toman estrategias de conservación. Relacionándolo con Vida de Galileo, Galileo se encuentra en el grupo dominado, y los monjes y la aristocracia en el grupo dominante.

Por otro lado, a su vez relacionado con lo anterior se encuentra la oposición entre apertura mental y necedad. A partir de esta dicotomía se puede explicar gran parte del conflicto de la obra. Por un lado, puede observarse la gran apertura mental de Galileo quien tenía la capacidad de analizar todo lo que le interesase, buscar comprobaciones para las teorías establecidas, y no desechar nada antes de comprobarlo. En el otro polo extremo se encuentran la iglesia y la nobleza. Su necedad y falta de apertura mental es tal que ante la posibilidad de comprobar una teoría que contradecía la propia no aceptan someterse a la demostración. Esto puede explicarse nuevamente por lo expuesto por Pierre Bourdieu en "Alta costura, alta cultura".

Juan Finkelstein, Guido Galicer, Danilo Ponieman, Ezequiel Portnoy, Ramiro Rosler, Andres Schelp.

Oposiciones en "Galileo Galilei" de Brecht

En Galileo Galilei aparecen varias oposiciones, una de ellas es la que se halla entre la Iglesia y la ciencia. En la obra de Bertold Brecht que analizamos, por un lado, Galileo intenta llevar adelante sus estudios pero es constantemente censurado por la Iglesia. También se puede analizar esta oposicion cuando Galileo intenta difundir sus ideas escribiendo en el idioma de las clases populares, mientras que la iglesia quería que fueran escritos en latín para que no se difundieran.
Por otro lado, en la obra el poder aparece representado por la nobleza y por la Iglesia que manipulan la difusión de las teorías de Galileo según su criterio, lo que causa problemas en la sociedad que estaba confndida por el conflicto entre Galileo y las autoridades. Esta manipulación por parte del poder se ve cuando Galileo dice haber descubierto el telescopio y ahí las autoridades lo apoyan ya que les convenía; en cambio, cuando publicó las ideas acerca del sistema solar, al poder no le convenía y llegó a pedirle que se retractase. Al considerar que las ideas de Galileo iban en contra de la autoridad de la Iglesia, creían también que estas ideas generaban un cuestionamiento en la sociedad acerca de otras cosas. De esta forma, Brecht deja en la obra una invitacion al cuestionamiento.

Por último, otra oposición que cabe destacar es aquella en la cual se enfrenta el beneficio individual al de la sociedad toda, es decir, si el hombre como individuo debe sacrificarse o no en beneficio de la sociedad. Para ser más precisos, Galileo se cuestiona si debe sacrificarse a sí mismo con tal de que sus ideas, las cuales beneficiarían al pueblo, fueran expuestas.


Andres L., Guido Goldenstein, Mariela Kuszman, Matias Roitman, Pablo Damiani

Los Heraldos Negros

Hay golpes en la vida, tan fuertes... Yo no sé!
Golpes como del odio de Dios; como si ante ellos,
la resaca de todo lo sufrido
se empozara en el alma... Yo no sé!

Son pocos; pero son... Abren zanjas oscuras
en el rostro más fiero y en el lomo más fuerte.
Serán tal vez los potros de bárbaros atilas;
o los heraldos negros que nos manda la Muerte.

Son las caídas hondas de los Cristos del alma
de alguna fe adorable que el Destino blasfema.
Esos golpes sangrientos son las crepitaciones
de algún pan que en la puerta del horno se nos quema.

Y el hombre... Pobre... pobre! Vuelve los ojos, como
cuando por sobre el hombro nos llama una palmada;
vuelve los ojos locos, y todo lo vivido
se empoza, como charco de culpa, en la mirada.

Hay golpes en la vida, tan fuertes... Yo no sé!

César Vallejo



El poema de Vallejo nos sitúa ante el drama del hombre peruano, condenado eternamente por su sangre india. Podemos percibir el dolor que siente el autor al escribir este poema, ya que sus versos parecen salir imparablemente desde el rincón más triste y enfurecido de su persona. "Los Heraldos Negros" nos permite conocer los sentimientos más fuertes de César Vallejo, y notamos en él sufrimiento y soledad, pero nunca resignación. A la vez justifica estos sentimientos, estos "golpes de la vida", como los llama en su poema, mediante cuestiones como la religión y el destino.

El autor simboliza el dolor y la frustración de un pueblo, denuncia la imagen de un Perú humillado que padece de una horrible y tenebrosa explotación. Vallejo asume el dolor colectivo, dejando que esa frustración fluya sin ningún límite, hasta que llegue a su verdadera conclusión, al triste designio de ser peruano. En este caso, se nota la intensidad con la que fue escrito el poema, que describe sin remordimientos el dolor de una persona y los golpes a los que, inevitablemente, tendrá que enfrentarse tarde o temprano. Es notable que en este poema el autor no presenta miedos ni culpas al demostrar lo que siente, sino que describe exacta y profundamente sus más grandes temores.

En "Los Heraldos Negros" Vallejo se siente abandonado, perdido en un universo comandado por Dios, por la religión. Vallejo, que nace en un hogar católico y es educado bajo esa religión, a los que debe el que sus sentimientos se asocien directamente a su espíritu. Se puede ver que hasta en los peores momentos de su vida, en los momentos en que la amargura lo impulsa a olvidar toda creencia, se expresan en él estas enseñanzas que lo hacen negarse a dar todo por perdido. Al nombrar el destino como una justificación de las penas sufridas, el autor da a entender que estos golpes son irreversibles, inevitables, pero aún así no baja los brazos.

En conclusión, el poema "Los Heraldos Negros" de César Vallejo nos permite conocer los sentimientos de un hombre triste que describe a la perfección cómo se siente enfrentarse a los golpes que irrevocablemente se presentan en la vida de todo ser humano.

j

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Últimos momentos

EL POETA A SU AMADA

Amada:
En esta noche
tú te has crucificado
sobre los dos maderos
curvados de mi beso
y tu pena me ha dicho
que Jesús ha llorado,
y que hay un viernesanto
más dulce que ese beso.

En esta noche rara
que tanto me has mirado,
la Muerte ha estado alegre
y ha cantado en su hueso.

En esta noche de setiembre
se ha oficiado mi segunda caída
y el más humano beso.

Amada,
nos moriremos juntos
se irá secando a pocos
nuestra excelsa amargura;
y habrán tocado a sombra
nuestros labios difuntos.

Y ya no habrán reproches
en tus ojos benditos;
ni volveré a ofenderte.
Y en una tumba
los dos nos dormiremos,
como dos hermanitos.



Este poema escrito por César Vallejo trata sobre la muerte de una pareja, y de cómo comparten esos últimos momentos de su vida, esa última noche, juntos, uno al lado del otro, mirándose mutuamente y recordando todos sus momentos compartidos.

El hombre, que está al borde de la muerte, es muy religioso, muy creyente; por eso, en varias ocasiones compara lo que está sucediendo y lo que siente en el transcurso del tiempo, con hechos que lo relacionan con Jesús. Quizás también, al estar muriendo, se sienta más cercano a Jesús ya que considera que luego de su muerte, irá al cielo.

El poeta pone en primer plano la amargura que tienen y la tristeza que sienten ambos de saber que nunca más volverán a verse, puesto que se aman profundamente. También, entonces, este es un poema romántico, ya que muestra el amor y la pasión que tienen estos dos personajes, que desean morir juntos, porque se aman y porque no podrían vivir el uno sin el otro un segundo.

Por último, cabe decir que este poema es contradictorio en cuanto a los sentimientos del hombre y de lo que está pasando por su cabeza, ya que por una parte menciona a Jesús -por lo tanto, al ser creyente tendría que creer en la vida después de la muerte, y que entonces seguiría estando junto a su amada-, sin embargo, al final del poema, menciona el vacío que siente en su corazón al saber que no volverá a compartir más momentos con su amada.

A pesar de esta contradicción, encuentro a este, uno de los poemas más lindos y más interesantes escritos por César Vallejo.

Que alguien muera, no significa que hablemos de muerte

Remordimiento por cualquier muerte

Libre de la memoria y de la esperanza,
ilimitado, abstracto, casi futuro,
el muerto no es un muerto: es la muerte.
Como el Dios de los místicos,
de Quien deben negarse todos los predicados,
el muerto ubicuamente ajeno
no es sino la perdición y ausencia del mundo.
Todo se lo robamos,
no le dejamos ni un color ni una sílaba:
aquí está el patio que ya no comparten sus ojos,
allí la acera donde acechó la esperanza.
Hasta lo que pensamos podía estarlo pensando él también;
nos hemos repartido como ladrones
el caudal de las noches y de los días.

Jorge Luis Borges

Desde el primer verso se describe lo que queda del alma en un muerto, libre de memoria porque esta ya se ha ido, y de esperanza porque no tiene nada que esperar. “Ilimitado, abstracto, casi futuro”, el lugar que el alma dejó vacío en definitiva es el todo, ya que un cuerpo sin alma no es más que un recuerdo del pasado, y la idea del alma nos hace imaginar un futuro más allá de la vida.

Que “el muerto no es un muerto: es la muerte” es decir que en cada muerto se ve a la muerte: uno toma contacto con ese “algo” que en general trata de evitar.

Según la religión, tras la muerte está la vida espiritual, y que ésta sea "como el Dios de los místicos" la convierte en un todo: después de la muerte está la verdadera vida. Al mismo tiempo, “de Quien deben negarse todos los predicados” la coloca en la nada ya que no tiene un sujeto (por eso se le niegan los predicados). Paradójicamente, “Quien” escrito con mayúscula la personifica, la transforma en un sujeto. De alguna manera está diciendo que la muerte es el todo y la nada al mismo tiempo.

Pero “El muerto ubicuamente ajeno”, perfectamente ubicado en la nada, nos representa cómo desde la mirada popular se ve a la muerte no como el comienzo de la vida espiritual sino como la perdida de una vida terrenal, y la ausencia del mundo.Todo lo que queda del muerto en este mundo lo tomamos nosotros, no le dejamos ni una emoción ni una palabra, a través de los objetos físicos nos remontamos a los momentos en los que el ahora muerto estaba vivo e interactuaba con estos objetos de la misma manera que ahora nosotros. También, que cuando ese alguien muere entre todos ocupamos su lugar, tomando todo lo que era de él.

Guido Galicer

Hoja Solitaria

S(u

na
ho
ja

ca

e)
o
l

edad

e. e. cummings

El poema de Cummings representa el paso del tiempo como natural y en ello inevitable, infinito y en ello el misterio de lo innombrable-innumerable.

Que el tiempo es un tema legible en esta traducción del poema de Cummings, lo confirman la diversidad de reflexiones en ese sentido que surgieron en clase. Pero ellas fueron posibles porque recogieron los hilos con los que el poema teje esa idea: los significados de las palabras y resonancia cultural, la disposición de las palabras en dos ejes opuestos vertical y horizontal, oposición que provoca la descomposición de “soledad” en otras dos, “sol” y “edad” y la alternancia entre palabras y silencio blanco en una serie “capicúa” de líneas y el uso del paréntesis de modo que violenta las reglas gramaticales y lo resignifica.

Con respecto a la forma en la que está escrito el poema, es decir, su disposición en dos ejes perpendiculares, éstos le dan al poema el sentido del paso del tiempo, ya sea por la imagen de descenso que nos deja la caída de una hoja como demostración de que todo tiene un final, o por la palabra “edad”, ilustrativa del paso del tiempo, que al estar escrita en forma horizontal contrasta con el resto del poema, y tiene una connotación de abandono, desolación y tristeza. Por otro lado, la palabra “sol” también representa el paso del tiempo, ya que el sol le da vida a la hoja pero esto a su vez significa que la vida de la hoja pasa; por lo tanto, así como el sol le da vida, también de alguna manera está presente en su muerte. El sol también puede simbolizar el paso del tiempo ya que también tiene una “edad”, y si bien parece algo sin final, se sabe que algún día, como todo, terminará y se apagará para siempre.

Además, juntando las palabras “sol” y “edad” se forma la palabra “soledad”. Ésta concluye en el final del poema, el cual asimismo se puede interpretar como el final de la vida. De esta manera se manifiesta la soledad que siente el hombre cuando se acerca el fin, ya sea de su vida, de la de un ser querido o la de la hoja solitaria ya caída de su árbol. Por el contrario, la palabra “sol” por sí sola connota felicidad, florecimiento y bienestar, y el contraste que generan estas palabras muestra el ciclo que hay entre la tristeza y la felicidad, o entre nacer y morir. No obstante, la edad también está relacionada con el sol en otro sentido, que es que la vida de una persona es un ciclo, como el amanecer y el anochecer del sol.

El sol, la edad, el caer de las hojas, son una representación de los procesos naturales, lo cual le otorga al poema una sensación de vida. Para que haya nueva vida debe haber muerte como para que haya un amanecer debe primero anochecer. El amanecer marca el comienzo de algo y también del día, así como el fin de éste, cuando se esconde. Los días forman las semanas y así los meses y los años y estos conforman la edad, nuestra vida. El sol marca el tiempo, nuestro calendario está dirigido por él, nos marca las horas y su paso.

Haciendo referencia al orden de las palabras en el poema, su forma capicúa representa la manera en la que está dividido, separando los versos con espacios, y generando nuevamente un efecto de ciclo, de vuelta a empezar.

Finalmente, tomando el paso del tiempo como eje central del poema de Cummings, se puede decir que es inevitable, ya que en la vida de todo individuo el paso del tiempo y los años son inevitables, la vida continua día a día y aunque se intente postergar la muerte tarde o temprano termina llegando. Si bien el paso del tiempo es infinito, el tiempo de uno no lo es, y esto genera misterio para el hombre. Éste se refleja en el poema a través de palabras como “sol”, “vida” y “edad”, así como con la soledad y la muerte, consecuencias del paso del tiempo. Este misterio es la intriga del después, la intriga de lo que no llegamos a ver, el deseo de conocer la infinidad, la incertidumbre acerca de la eternidad. Porque todos vivimos pero también todos o casi todos nos preguntamos mientras lo hacemos qué existe después del tiempo y para el después hay muchas respuestas pero ninguna es verdadera, ninguna está comprobada. El tiempo nos permite ver qué hay hasta determinado punto de la vida, luego, debemos quedarnos con la intriga porque nunca viviremos para saber qué sigue.

Ya no somos los mismos

"Puedo escribir los versos más tristes esta noche" de Pablo Neruda

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Cuando tuve que elegir un poema para hacer el análisis, "Puedo escribir los versos más tristes esta noche" me llamó mucho la atención. Resaltó entre los demás por vincular la mayor cantidad de versos con la muerte, la soledad, la tristeza y lo que sería el lado oscuro de un escritor.

Pablo Neruda eligió comenzar este poema describiendo el paisaje donde se encuentra y el momento del día que está transcurriendo: "La noche esta estrellada, y tiritan, azules, los astros, a lo lejos. El viento de la noche gira en el cielo y canta". El poeta prefirió la noche para inspirarse y puedo inferir que escribir en la oscuridad y en la soledad sirve para olvidar penas y desahogarse de sus problemas.

Esta poesía cuenta la historia de dos personas que sentían un amor muy grande y, repentinamente, la mujer desaparece. No está especificada la razón, pero lo que yo interpreté fue que su amada lo engañó y lo abandonó. Por eso se siente solo, triste, deprimido, abrumado por la situación de haberse quedado vacío en el sentido del amor y expresa que no tiene asumido que su amada lo dejó. Esto lo podemos ver cuando dice: "Como para acercarla mi mirada la busca, mi corazón la busca, y ella no está conmigo". Todavía le queda una ilusión, una mínima esperanza de que ella aparezca, pero en realidad sabe que son falsas expectativas, que la persona a la que él le entregó su corazón ya no está a su lado.

Todo el tiempo se repite que él y su mujer solían compartir momentos de amor y estar juntos en las noches, y que a ella le encantaba mirar las estrellas. Recuerda esos tiempos en los que estaban juntos y los tiene muy presentes en su memoria: "En las noches como ésta la tuve entre mis brazos, la besé tantas veces bajo el cielo infinito, la noche está estrellada y ella no está conmigo". Al decir "Oír la noche inmensa, más inmensa sin ella" muestra que sin su amada todo parece más frío, más grande, menos acogedor, lo que podía ser una hermosa y calída noche estrellada cuando estaba con su novia, ahora es un simple momento oscuto en el que vuelca todas sus penas en papel.

Lo que yo pienso es que lo que Neruda quiere mostrarnos a los lectores es que todo sigue igual, el mundo sigue funcionando de la misma manera y que lo único que cambio fueron él y su amada que ya no estan juntos. Esto se puede ver claramente en este verso "La misma noche hace blanquear los mismos árboles. Nosotros, los de entonces, ya no somos los mismos". La última conclusión que pude sacar fue que el protagonista de esta historia se siente tan lastimado que todo el amor que siente por ella se desvanece como por arte de magia.

Personalmente me gustó mucho este poema ya que Neruda utiliza el juego de la contradicción entre el odio y el amor, entre el dolor y la felicidad. Me encanta la forma en la que escribe este autor porque da la sensación de que lo que se está leyendo se vive en carne propia.

Sofía Berendorf

Sentimientos de una monja enamorada

La monja gitana, de Federico García Lorca

Silencio de cal y mirto
Malvas en las hierbas finas.
La monja borda alhelíes
sobre una tela pajiza.
Vuelan en la araña gris
siete pájaros del prisma.
La iglesia gruñe a lo lejos
como un oso panza arriba.
¡Que bien borda! ¡Con qué gracia!
Sobre la tela pajiza
ella quisiera bordar
flores de su fantasía.
¡Qué girasol! ¡Qué magnolia
de lentejuelas y cintas!
¡Qué azafranes y qué lunas,
en el mantel de la misa!
Cinco toronjas se endulzan
en la cercana cocina.
Las cinco llagas de Cristo
cortadas en Almería.
Por los ojos de la monja
galopan dos caballistas.
Un rumor último y sordo
le despega la camisa,
y, al mirar nubes y montes
en las yertas lejanías,
se quiebra su corazón
de azúcar y yerba luisa.
Oh, que llanura empinada
con veinte soles arriba!
Qué ríos puestos de pie
vislumbra su fantasía!
Pero sigue con sus flores,
mientras que de pie, en la brisa,
la luz juega el ajedrez
alto de la celosía.




El poema de Federico García Lorca nos muestra los sentimientos de alguien que vive el encierro y la opresión, y que son manifestados mediante las fantasías y la imaginación de una monja gitana, que mientras borda, intenta expulsar de ella todo sentimiento prohibido, impuro, diferente a su realidad y contrastante con su rol en la vida.

Al ser monja, su alma no puede o no debería sentir atracción por otro que por D’s. Sin embargo, este no es el caso. El autor nos muestra una vez más cómo la mujer gitana no cumple con las “reglas” de lo normal y muestra cierta debilidad que la posiciona en un lugar inferior frente al hombre.

Con los primeros versos, Lorca prepara el escenario o marco donde se desarrollará el resto del poema. En un principio se puede percibir un ambiente armonioso, en silencio tal vez, sin alegría y sin colores, como la vida de la monja. Por eso, el silencio, el bordado en una tela amarillenta y la araña gris.

De repente y hacia el final de la obra, las fantasías comienzan a aparecer en la mente de la monja, lo prohibido comienza a brotar en su imaginación, lo gris se torna colorido y lo oprimido se transforma en libre. Tanto es así, que hasta las malvas, hierbas malas que dañan a las hiervas finas, pueden estar representando los pensamientos atrevidos o las añoranzas de la monja gitana que comienzan a surgir dentro de ella. Sus deseos empiezan a apoderarse de la indefensa mujer y ésta comienza a sentir la pasión y la satisfacción que la guían hacia un camino que no es el que la vida le asignó pero que, sin embargo, es el que ella elige transitar...

Apunte callejero

En la terraza de un café hay una familia gris. Pasan unos

senos bizcos buscando una sonrisa sobre las mesas. El ruido

de los automóviles destiñe las hojas de los árboles. En un

quinto piso alguien se crucifica al abrir de par en par una

ventana.

Pienso en dónde guardaré los quioscos, los faroles, los transeúntes,

que se me entran por las pupilas. Me siento tan lleno

que tengo miedo de estallar... Necesitaría dejar algún lastre

sobre la vereda...

Al llegar a una esquina, mi sombra se separa de mí, y de

pronto, se arroja sobre las ruedas de un tranvía.


Oliverio Girondo



Este poema habla sobre la monotonía de la ciudad, y su cotidianeidad. Girondo mezcla la realidad con lo surrealista. Él describe la ciudad y su aspecto. Está tan plagada de objetos que el protagonista no logra recordarlos, no puede grabarlos y siente que va a estallar, o morir. La realidad se encuentra en la descripción de la ciudad, y lo surrealista en que se quiere morir, ya que no lo dice textualmente sino que describe su sentimiento a través de expresiones surrealistas como “…mi sombra se separa de mí [...] se arroja sobre las ruedas de un tranvía”, o “en un quinto piso alguien se crucifica...” o “Necesitaría dejar algún lastre sobre la vereda”, ese lastre es su cuerpo.

Retomando el tema de la monotonía, esta es una característica que el poema describe como la principal en una ciudad, ya que habla de una familia gris, gris el color del aburrimiento, de la mediocridad, color del asfalto de la calle, del cemento de las casas.

Girondo dice que “el ruido de los automóviles destiñe las hojas de los árboles”, esto se interpreta como que la tecnología, el nuevo mundo, opaca a todo lo natural, ya no se puede apreciar la belleza de una ciudad. Estos automóviles se identifican como un objeto más de la ciudad. Ya no queda más verde de los árboles sino el simple y aburrido gris de la calle.

Su título se relaciona directamente con el texto, ya que podemos enumerar los elementos de la calle, como las mesas, el café, los autos, árboles, ventanas, quioscos, faroles, vereda, esquina, tranvía, en una lista tomada como apunte, que se llama, entonces, apunte callejero.

ME GUSTAS CUANDO CALLAS de Pablo Neruda

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En este poema Pablo Neruda le habla a una chica de la cual "él" está enamorado. Pero él habla sintiendo que la chica no se da cuenta de su existencia: “me oyes desde lejos y mi voz no te toca”, como si él le hablara, pero siente que ella no lo escucha. Parece como si la chica fuese la novia, pero no, ya que ella no opina de la relación porque pasan cosas pero ella no habla, no ve, no siente: “parece que un beso te cerrara la boca” quiere decir que si ella quiere decir algo, con un beso alcanza para que al final no lo diga.

Habla también de su alma en el poema, dice que todas las cosas están llenas de su alma: una mariposa de sueño - ya que estás parecen alegres, pero nunca se puede saber qué es lo que pasa por su cabeza ya que no hablan-, la palabra melancolía -por su tendencia a la tristeza, un estado de pesimismo, depresión y falta de estímulos afectivos; se parece a esa palabra a causa de que al no hablar, puede parecer que está triste, afligida.

También durante todo el poema repite la misma frase: “me gustas cuando callas porque estás como ausente”. Neruda dice que le gusta cuando calla, porque ella está alejada, puesto que la mayoría del tiempo no habla, no opina, y es como si no estuviera allí. Además escribe que cuando ella calla y está como distante, está como quejándose, ya que al no decir nada puede parecer que está protestando. Pero lo que puedo ver en esta poesía, es que a veces se contradice, ya que por un lado dice que cuando calla, está como ausente, pero por el otro lado, está como quejándose, con lo cual no hay mucha coherencia porque si uno está ausente, no muestra sus sentimientos, pero si uno se muestra quejándose, entonces está transmitiendo una impresión.

Entretanto, compara el silencio de su enamorada, a su claridad, que al hacer tan evidente sus sentimientos, es como la luz de una lámpara. También compara su silencio con un anillo. Yo supongo que dice eso ya que los anillos encajan perfectamente en un dedo, y es muy fácil de encajar, concordar con ella, ya que al no opinar, muchas veces él va a tomar las decisiones.
Al mismo tiempo, la compara con la noche, que es callada y constelada. Así como la noche es silenciosa y cubierta. Y precisamente como ella es la noche, su silencio es como una estrella, lejana y sencilla, pues las estrellas son apartadas y humildes. Después dice que ella es distante y dolorosa como si hubiera muerto. Cauta y amarga como un muerto. Finalmente concluye diciendo que con una palabra o una sonrisa alcanza para demostrar sus sentimientos, pero él está alegre, contento de que todo esto no sea cierto.

En mi opinión el final de este poema es muy confuso, ya que no termino de entender si, cuando dice que está alegre de que no sea cierto, quiere referirse a todo el poema, o sea que todo lo que él dice no es así, o si quierer decir que está alegre de que no sea cierto el que solamente con una sonrisa y una palabra alcance.

Michelle Berger

La Noche Vanguardista

OTRO NOCTUTRNO
La luna, como la esfera luminosa de un reloj de un edificio
público.
¡Faroles enfermos de ictericia! ¡Faroles con gorras de “apache”,
que fuman un cigarrillo en las esquinas!
¡Canto humilde y humillado de los mingitorios cansados de
cantar! ¡Y silencio de las estrellas, sobre el asfalto humedecido!
¿Por qué, a veces, sentiremos una tristeza parecida a la de
un par de medias tirado en u rincón?, y ¿por qué, a veces,
nos interesará tanto el partido de pelota que el eco de nuestros
pasos juega en la pared?
Noches en las que nos disimulamos bajo la sombra de los
árboles, de miedo de que las casas se despierten de pronto y
nos vean pasar, y en las que el último consuelo es la seguridad
de que nuestra cama nos espera, con las velas tendidas hacia
un país mejor.
París, julio, 1922 Oliverio Girondo

En este poema se pueden notar los sentimientos del autor, ya sea por los signos de exclamación que utiliza para expresar admiración por la noche en la que se basa el texto, o por la expresión de dudas acerca de la tristeza y de formas de actuar.
Por otra parte se aprecian sensaciones a nivel visual, por ejemplo cuando distingue a la luna como una esfera luminosa; a nivel auditivo, por ejemplo cuando habla del “silencio de las estrellas”; y a nivel táctil, por ejemplo la humedad del asfalto.
También se le “da vida” a diferentes objetos: a los faroles diciendo que están enfermos, a las casas diciendo que se despiertan, a las camas diciendo que se tiene seguridad de que ellas los esperan.
Por ultimo, el nombre del poema (“Otro nocturno”) puede ser que se refiera a el sentimiento de la rutina, de noches repetitivas e iguales en donde no se noten diferencias, en donde los sentimientos genera la noche son siempre los mismo, y eso se debe a q la imagen visual es siempre igual, como la auditiva y la táctica.

Stephanie Baabor

Que no te gane la rutina....

Rutina Doméstica, de Enrique Molina

Saboreo el café del desayuno después del diluvio.
El salmodiante Noé
está tendido desnudo entre sus hijas y la guitarra
con la tierra al alcance de la mano.
La casa apareció traída por un pájaro
colgada del pico. El café
es negro y suntuoso
como el trono de un monarca africano
con cabezas de leones labradas por el rayo.

La Desconocida ambula por los cuartos
en las constelaciones del deseo,
perfumada y demasiado próxima
a las cosas que despiertan con ella,
con el desayuno,
llena de errores, indómita como las águilas,
enjoyada en su risa y su leyenda.
Escarbará en mi pecho con su zarpa, me bendecirá
en un idioma salino
en el que todo es orgiástico, devorador, inquietante.

Y tantos años han corrido con esta misma escena
mientras el gallo inicia el hechizo inexplicable
del día
que fosforece y pasa hacia las aguas oceánicas.





A través de una lectura general del poema de Enrique Molina se puede encontrar su tema fundamental, la rutina doméstica, que a su vez es el título de la obra. De ese tema se desprenden diversos elementos e interpretaciones, como el desayuno rutinario, la ironía sobre los acontecimientos que suceden día a día, el aburrimiento y también la presencia femenina en la vida del autor.

El desayuno representa un proceso que se realiza periódicamente y es la primera de las comidas diarias que generalmente marca el comienzo de un nuevo día. El personaje del poema disfruta cada mañana de su café, contrastando su sabor con el mal tiempo afuera de su vivienda, y comparando su color con el trono de un monarca africano, empleando elementos irónicos en dichas afirmaciones.

Dentro del poema, hay una presencia femenina. Se ve enfatizado el deseo y la necesidad de hablar y probablemente, tener contacto con esa mujer todas las mañanas, así que ella actúa como un elemento motivador para empezar el día de la mejor manera. El hombre define el aroma y la proximidad de la mujer como factores fundamentales que generan erotismo en la situación, pero a su vez la define como extraña y desconocida , lo que provoca cierta duda acerca de la relación que lleva con esta dama.

Otro elemento que aparece es el aburrimiento. El autor comienza la última estrofa hablando de que con el correr de los años, la escena mañanera es siempre la misma. Esto lleva al planteamiento de la siguiente duda : ¿esta él realmente aburrido con su vida , o simplemente indica esto para mostrar un agrado hacia su rutina? La frase que emplea Molina es “Y tantos años han corrido con esta misma escena”. La resonancia de estas palabras en la cabeza del lector puede llegar a indicar cierto tipo de desagrado de este hombre hacia su rutina , pero los elementos descriptos antes y después de esta frase hacen pensar y reconsiderar esta hipótesis, ya que mediante ellos el autor muestra los puntos positivos de sus actividades periódicas y la felicidad que ellas le generan.

Como conclusión, se puede decir que las vidas rutinarias no son algo descomunal, pero a su vez tampoco es frecuente encontrar personas con una vida tan estructurada, por eso se puede decir que este poema introduce elementos de lo irreal , una mezcla entre lo común y cotidiano, con lo extraño y lo poco frecuente.

Gastón

de Pablo Neruda:

Inclinado en las tardes

Inclinado en las tardes tiro mis tristes redes
a tus ojos oceánicos.

Allí se estira y arde en la más alta hoguera
mi soledad que da vueltas los brazos como un náufrago.

Hago rojas señales sobre tus ojos ausentes
que olean como el mar a la orilla de un faro.

Sólo guardas tinieblas, hembra distante y mía,
de tu mirada emerge a veces la costa del espanto.

Inclinado en las tardes echo mis tristes redes
a ese mar que sacude tus ojos oceánicos.

Los pájaros nocturnos picotean las primeras estrellas
que centellan como un alma cuando te amo.

Galopa la noche en su yegua sombría
desparramando espigas azules sobre el campo.




El poema de Pablo Neruda “ Inclinado en las tardes” está basado en el amor que siente un hombre por una mujer. Este hombre en las tardes va a verla a un lugar desconocido y trata de conquistarla pero para ella es como si este hombre no existiera. Quizás porque ella sufrió mucho con otros amores ya que en el poema dice “… sólo guardas tinieblas…” , que quiere decir que ella sufrió, que no se puede permitir conocer a otro amor y que solo en su corazón puede haber malos recuerdos. Me di cuenta de que esta mujer está muy triste o que no puede dejar atrás sus malas experiencias románticas porque en el poema dice “tus ojos oceánicos”, que sus ojos están llenos de lágrimas como el océano de gotas de agua y estas lágrimas se deben a estos amores a los que no puede dejar atrás.
Este hombre, que podría ser el mismo Pablo Neruda, se siente solo ya que su amada no lo registra aunque él todas las tardes “le tire sus redes” para tratar de que ella tan solo lo mire y así poder conquistarla, pero parece que no lo pudo lograr.

Este poema me gustó mucho. La verdad es que yo nunca había leído un poema de Pablo Neruda y este me encanto porque el poeta demuestra el amor que siente un hombre por una mujer y que no solo las mujeres sufren por amor, porque se suele escuchar esto de todo el mundo, que solo las mujeres sufren por los hombres pero en este poema se muestra todo lo contrario: que los hombres también tienen sentimientos y pueden sufrir por una mujer.

Cate Cassin

"El sur": ¿Quilmes y Trelew en un mismo poema?

EL SUR

Desde uno de tus patios haber mirado

las antiguas estrellas,

desde el banco de

la sombra haber mirado

esas luces dispersas

que mi ignorancia no ha aprendido a nombrar

ni a ordenar en constelaciones,

haber sentido el círculo del agua

en el secreto aljibe,

el olor del jazmín y la madreselva,

el silencio del pájaro dormido,

el arco del zaguán, la humedad

-esas cosas, acaso, son el poema.

En este poema de Jorge Luis Borges, ya que el título del poema es “El sur” y desde allí es común que se observen las estrellas, como primer punto se puede entender a partir de la frase: “DESDE uno de tus patios haber mirado las estrellas…” cuando dice “desde uno de tus patios” que hace referencia a alguna provincia del sur. Describe, luego, a las estrellas como “luces dispersas” que, metafóricamente, son las viviendas que hay en el sur, donde tal vez es más común hallar pequeños pueblos y viviendas aislados. No sabe nombrarlas ni ordenarlas en constelaciones, dice tanto sobre las estrellas o como de las viviendas. Las constelaciones podrían nombrar metafóricamente, por estar las estrellas-casas dispersas y no formar una ciudad o un pueblo, no poder ordenarse de esta manera, a la organización por pueblos o ciudades.
Así, el “secreto aljibe” puede referirse a la gran extensión de ríos y lagos que tiene el sur y de allí el hecho de “haber sentido el círculo del agua” es decir, sentirse rodeado por ella. Todo es continuación “desde uno de tus patios”, características que se pueden observar comúnmente desde las provincias del sur como el olor del jazmín y la madreselva, dos plantas de fuerte aroma. El pájaro dormido se refiere al pingüino, otra característica de la fauna del sur.
En el final, una raya de un diálogo en el que habla el autor: “esas cosas, acaso son el poema” y que nos lleva a pensar que todo lo mencionado anteriormente en el poema se refieren a la poesía en sí, es decir que cuando habla de que no sabe ni nombrar ni ordenar a las estrellas en constelaciones o cuando habla del agua, de que la puede sentir, incluso los olores de las plantas, todo esto es una descripción de la poesía según el punto de vista del autor, que no la puede explicar pero que la puede sentir. Es decir que la poesía se inicia aparentemente hablando del sur pero luego el final genera esta ultima interpretación.
También el sur puede ser el sur de Buenos Aires, de allí la mención del patio de los conventillos de esa época en que fue escrito el poema y el aljibe, las plantas que rodean al patio y los pájaros. Este libro coincide con el regreso de Borges a Buenos Aires cuando comienzan a aparecer en sus poemas cuestiones relacionadas con los suburbios porteños que el escritor comienza a “descubrir”.
Entonces, se puede concluir que de este poema surgen varias interpretaciones, una de ellas sobre “el sur”, el cual en este análisis es visto tanto, como el sur de Argentina, cuanto como el sur de Buenos Aires. Por otro lado, la interpretación a partir de su final que nos da otro enfoque del poema.

Matias R.

El mundo del Truco

EL TRUCO

Cuarenta naipes han desplazado a la vida.
Pintados talismanes de cartón
nos hacen olvidar nuestros destinos
y una creación risueña
va poblando el tiempo robado
con floridas travesuras
de una mitología casera.
En los lindes de la mesa
la vida de los otros se detiene.
Adentro hay un extraño país:
las aventuras del envido y quiero,
la autoridad del as de espadas,
como don Juan Manuel, omnipotente,
y el siete de oros tintineando esperanza.
Una lentitud cimarrona
va demorando las palabras
y como las alternativas del juego
se repiten y se repiten,
los jugadores de esta noche
copian antiguas bazas:
hecho que resucita un poco, muy poco,
a las generaciones de los mayores
que legaron al tiempo de Buenos Aires
los mismo versos y las mismas diabluras.

En este poema, Jorge Luis Borges compara el juego popular de naipes, el truco, comparándolo con diferentes elementos, construye sobre él metáforas y hasta lo personifica. Así, le concede una connotación de guerra, de lucha y aventura al jerarquizar las cartas. Se le otorga vital importancia a las cartas, así como también existen alusiones al misterio en el azar, la repetición de la historia y vigencia del truco, y por último a los cambios en los jugadores.

Con sus palabras, dota de innumerable importancia a los naipes, los cuales desplazan la vida, hacer olvidar los destinos. Al describirlos como talismanes de cartón, les da el sentido de objetos capaces de cambiar el destino y modificar la existencia, los asocia a la magia, al milagro. Se puede leer la notable importancia que le confiere Borges al juego, capaz de hacer olvidar por un lapso de tiempo de todos los problemas existentes y por un momento, disfrutar, reírse, y divertirse con amigos.

La palabra “linde” concede una connotación de guerra, de lucha por la victoria, retomada por la mención a la autoridad del as de espadas. Es a esta carta en especial, suprema e inigualable, a la que compara con Juan Manuel Rosas, resaltando su omnipotencia. Este personaje es mencionado en la totalidad del libro El fervor de Buenos Aires, en el cual es diversamente comparado. Menciona al 7 de oro, personificándolo y haciéndolo transmitir esperanza, haciendo creer a su propietario que existen chances de ganar.

Asimismo, otro tema presente en el texto es el misterio, al describir cómo, al barajar y repartir, la vida de cada uno se detiene, a la espera de observar cual será su suerte, el misterio del azar. Al recibir las cartas, se crea un nuevo mundo, para las aventuras del envido y del truco, y de las diferentes cartas existentes. Es en función de las jerarquías de estas cartas que se determina el juego. Este juego, a su vez, crea un misterio, el de saber qué ocurrirá: quien ganará.

Una interpretación posible desde el final del texto dice la constante repetición de la historia, la cual, completa de altibajos, mata y resucita a la gente. Es posible pensar que Borges habla de los políticos, argumentando que siempre ocurre lo mismo y se repite la historia de las generaciones anteriores. Esto es característico de los textos de Borges cuando, como en este caso, vuelve de Suiza y escribe acerca del país. Según otro sentido posible, el juego de naipes mencionado, el truco, es una de las pocas cosas que se mantienen constantes, que no cambian a través del tiempo y no son dañadas y perjudicadas por el actuar de los tiranos.

Otro tema es el cambio que experimentan personas al comenzar el juego. Los jugadores, de un momento a otro se liberan de sus problemas cotidianos, convirtiéndose en otras personas, planeando y creando estrategias para el juego. Como consecuencia de esto, también cambia el idioma utilizado por los participantes. A partir de esto, se puede comprender la característica de distensión y relajación que acompañan al truco. No obstante, aquí yace una oposición de conceptos que logra representar lo generado por este juego popular. De una parte, está la distensión, la diversión y el esparcimiento, pero a su vez, el misterio, la tensión y suspenso.

En conclusión, Borges no solo describe del juego en sí, sino que lo personifica, y así trae elementos circundantes al juego, cuestiones de la sociedad de aquella época. Es de este modo que le otorga al poema su profundidad. Es aquí donde se puede ahondar, ya que a simple vista, el presente juego de naipes transmite superficialidad. No obstante, mediante esta descripción del juego y aquello que es adyacente a él, realizada por Borges, se puede comprender realmente su profundidad.

Danilo